19 марта 2016г.
В статье рассматриваются профессиональные и педагогические противоречия, порождённые современным искусствоведческим принципом: «Искусство – это высказывание». Художественная практика и философия искусства стремительно расширяют эстетическое поле, буквально сметая старые устоявшиеся взгляды на роль и место изобразительных средств, кардинально изменяя критерии искусства.
Предварительное замечание. Академичность в нашем случае представляет собой не определённое историческое направление в искусстве, а принцип, подход к созданию произведения на основе традиционных средств.
«…настоящие художники - Рембрандт, Джотто, а я лишь клоун; но будущее в искусстве
За теми, кто сумеет кривляться!» Пабло Пикассо
Академичность предполагает два базовых начала: первое – мастерство художника достигается основательным обучением на основе выработанной системы; второе – художественное творчество последовательно технологично, т.е. процесс создания картины от замысла до завершения известен заранее. В этом и сила, и слабость индивидуальности.
Сначала о силе.
Несомненно, что фундаментальная подготовка художника в течение многих лет даёт ему техническую свободу, позволяет свободу передавать форму и цвет, сводить в гармонию композиционный строй картины. Знание свойств и взаимодействия грунтов, красок, лаков и других изобразительных материалов гарантирует сохранность и качественный уровень картины как предмета. Этапы создания произведения, выработанные художниками предыдущих поколений, в силу своей последовательности непременно приведут к требуемому результату.
Таким образом, академичность, исповедующая традиции, главным достоинством произведения считает общехудожественное мастерство.
Теперь о слабости.
Если представить себе изостудию или академию художеств, где учащиеся с идеальной точностью и идеальным мастерством воспроизводят натурные учебные постановки, то в результате должны у всех получиться прекрасные, но совершенно одинаковые этюды, отвечающие общехудожественным требованиям. Конечно, в реальных академиях этого не бывает, но движение к этому обусловливает сама идея «правильности» изображения. Индивидуальность художника здесь не главное, она следует вторым планом, как второстепенность. Именно академические требования, доведённые до канона, возмутили Ивана Крамского при получении темы дипломной работы, когда он отказался писать произведение по официально установленным каноническим требованиям.
А индивидуальность как, художественная основа, как метод, проявилась наиболее ярко у импрессионистов, которым довелось поначалу пройти все адовы круги насмешек и издевательств, прежде чем они убедили мир в серьёзности их отношения к искусству.
Индивидуальность следующей волны постимпрессионистов Ван Гога, Гогена, Сезанна открыла шлюзы, через которые хлынули потоки всяких направлений и «измов», приведшие к абсолютному доминированию индивидуальности и к знаменитой формуле: «Искусство – это высказывание». И высказываются – от включения в экспозицию бытового унитаза до публичного членовредительства автора перфоманса (как это было на Красной площади).
Где истина?
И бывает ли она в искусстве?
Нас этот вопрос глубоко волнует как художников и как педагогов.
Современное искусство развело по разные стороны баррикад многих творцов, противоречие между художественностью академичности и художественностью индивидуальности от практики перешло к эстетическим теориям. Мы, естественно, не можем одновременно быть в противоборствующих станах, но рассмотреть доводы соперников постараемся объективно.
В эстетике главенствующим смыслом является категория прекрасного. Все оттенки эстетических переживаний, от трагического до комического, укладываются в пространство противоположностей: «прекрасное– безобразное». Отталкиваясь, от своего антипода, категория прекрасного охотно включает в себя гармонию и красоту, хотя не исчерпывается этим. Именно эти два понятия, гармония и красота, для традиционной академичности является главными атрибутами искусства, причём не чисто внешними его характеристиками, а внутренне обусловленными признаками. (Заметим в скобках, что Лев Николаевич Толстой в своей книге «Что такое искусство» отказывает красоте вправе быть основой искусства, считая более важными искренность и правду, но эти понятия касаются скорее этики, чем эстетики).
Академический принцип изобразительного искусства ставит задачей снабдить художника всем арсеналом изобразительных средств, без которых гармония и красота просто недостижимы: техникой рисунка, законами живописи, формами композиции, знанием пластической анатомии. Профессиональный художник должен уметь рисовать! Это аксиома и догма академичности.
Один жанр изобразительного искусства особенно чувствителен к академичности: это портрет. Персональное сходство достигается точной передачей пропорции, правильной лепкой светотени, передачей воздушной среды – этому учатся долго и основательно.
Портретные формы, традиционно существующие в живописи, в любом случае отражают сначала личность портретируемого, и только потом – личность художника, его отношение к модели.
Итак, идея гармонии и красоты передаётся средствами живописи на основе существующей в реальности эстетической формы. Таков базисный взгляд академичности.
И вдруг – громкое возражение оппонентов, то есть апологетов главенства индивидуальности: художник не должен быть рабом реальных форм, он сам по себе целый мир! Индивидуальность, непохожесть на других – Бог искусства! В душе художника рождается, живёт и воплощается в произведение свой мир, внутренние художественные идеи, индивидуальный взгляд, оценивающий действительность. Задача современного художника – провокация, высказывание, заставляющее зрителя по-новому смотреть, по-новому думать, по-новому чувствовать. Какая живопись, какой рисунок – это всё устарело!
Гармония и красота – внешние формы реального мира, они сковывают искусство идеей содержания, а в искусстве нового времени только оригинальная, индивидуальная форма имеет значение, они альфа и омега художественного творчества.
Как нам это воспринимать?
Для нас, очевидно, что искусство без индивидуальности – ремесло, а индивидуальность без мастерства – не искусство. Так что, видимо, следует рассмотреть взаимоотношение формы и содержания на нейтральной территории, откуда видны оба непримиримых лагеря…
Французский искусствовед и философ Поль Валери писал: «Шедевры всегда банальны!» При всей оценочной неожиданности, эта фраза не так уж парадоксальна – действительно, шедевры потому и становятся в глазах зрителей шедеврами, что ими восхищаются многие, а то, что нравится многим, становится общим местом, банальностью. Заметим, в великих произведениях мы восхищаемся художественностью формы, а не содержанием как таковым. Собственно, содержанием искусства является в первую очередь эстетические переживания, а их диапазон не так уж и велик: радость и восхищение, любовь и тревога, печаль и трагизм, комизм и ирония, возмущение и отвращение. Любая литературная основа произведения изобразительного искусства укладывается в этот диапазон. Так что хотим мы или не хотим, но вынуждены признать: в искусстве форма может варьироваться бесконечно, она богаче содержания, в известном смысле она первична. В этом сторонники академичности и сторонники индивидуальности могут согласиться друг с другом. И дискутировать о степени глубины содержания бессмысленно, как бесполезно спорить о том, какой символ патриотичнее: берёзка или военные победы (мы говорим об искусстве!).
Сосредоточиться на форме.
Если произведение задевает за душу зрителя, волнует её, заставляет испытывать эстетические переживания в любом из оттенков – задача художника выполнена. И с этим представители обоих лагерей тоже могут согласиться. Так в чём же камень преткновения? В мастерстве, в профессионализме! Не может профессиональный художник спокойно смотреть на то, как совершенно беспомощное, по-детски неумелое, не имеющее ни композиции, ни цвета, ни рисунка произведение позиционируется с точки зрения индивидуальности в первых рядах современного искусства. Выходит, художник может назвать себя всякий, для этого не надо учиться? Попробуйте играть на скрипке без обучения, не получится. А в изобразительном искусстве получается! Причём ломка привычных форм дилетанту даётся легче, чем академически обученному художнику. Да, академичность мешает индивидуальности, часто лишает его смелости выражения. И в этом индивидуальность как базовый принцип искусства одержит победу…. Но это пиррова победа! Индивидуальность ради индивидуальности, оригинальность ради оригинальности разрушает эстетическую основу искусства, разрушает профессионализм и по-нашему мнению, принижает его. Тупик?
Но ведь есть примеры, когда профессионализм, академическое обучение не помешали стать яркой индивидуальностью: вспомним С. Дали и П. Пикассо.
Причём, интересно, что Дали по художественной форме был ближе к академичности, а Пикассо – к «хулиганской» индивидуальности. И ни того, ни другого не упрекнёшь в дилетантской неумелости, в композиционной беспомощности. Они оба великие художники.
Мы ясно понимаем, что в художественной практике нашего времени новое искусство имеет возможности использования технических достижений цивилизации – компьютера, кино, фотоаппарата, видеотехники и т.д. И это прекрасно, потому что горизонты искусства раздвигаются до бесконечности. Но художественные базовые взгляды напрямую влияют на результат, конечную форму произведения искусства, его зрительскую оценку.
Когда ведутся споры об искусстве, обычно переходят в конечном итоге к конфликту «реализма» и «абстракционизма» (направления условны). Этого аспекта мы не затрагиваем вообще, потому, что «академические» ценности произведения – композиция, колорит, гармония деталей – универсальны. Любой вид изобразительного искусства и архитектуры, пренебрегающий этими базовыми ценностями не может сложиться в художественное произведение, будет просто набором случайных элементов, т.е. хаосом. И совсем неважно, «Джоконда» ли Леонардо это или «Композиция №7» Кандинского – речь идет о картине как таковой, имеющей компоновку, цвет и другие признаки картины. Индивидуальность и академичность в обоих случаях присутствуют, здесь они не противоречат друг другу, здесь сопоставляются только разные формы профессионального взгляда на способ художественного выражения.
Базисные позиции искусствоведения «старого» и искусствоведения «нового» сталкиваются не в вариантах формы, а в отвержении формы вообще, когда высказывание подменяет художественность.
Столкновение двух полюсных взглядов (упрощая до предела – «красота» или «высказывание») вынуждает нас сделать вполне определённый вывод: идти надо от академичности к индивидуальности, преодолевая (если надо) каноны, но отвергать академичность, принося её в жертву индивидуальности – путь к пропасти.
Художник должен уметь рисовать!
Список литературы
1. Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства М: АСТ- ПРЕСС КНИГА, 2004 - 368 с.
2. Григорий Стернин От Репина до Врубеля. Издательство: ГАЛАРТ, М., 2009 – 208 с.
3. Мочалов Л.В. Пространство мира и пространство картины. Издательство: Советский художник, М., 1983 – 376 с.
4. Поль Валери. Об искусстве. Издательство: Искусство, М., 1976 – 622 с.
5. Рескин Джон. Лекции об искусстве / пер. с англ. М., БСГ-ПРЕСС, 2006 – 309 с.
